2024 Autora: Leah Sherlock | [email protected]. Última modificació: 2023-12-17 05:30
Art abstracte, pintura no objectiva no és susceptible d'anàlisi freda i sòbria. L'obra d'un artista com Mark Rothko, les pintures del qual no contenen ni una mica d'objectes del món real, és l'abstracció en la seva forma més pura. La lògica i la recerca d'analogies familiars poden interferir amb la percepció de l'espectador de la manera d'expressió de Rothko, a la recerca de la qual l'artista ha recorregut un camí llarg i difícil.
Trobant el teu camí
Markus Yakovlevich Rotkovich va néixer l'any 1903 a la ciutat de Dvinsk, província de Vitebsk (ara Daugavpils, Letònia). Al cap de 10 anys, la seva família va emigrar a Amèrica, i va haver de passar per moltes proves vitals. No va trobar immediatament el seu camí a la vida, caient accidentalment en l'entorn artístic. Als anys 30-40 del segle passat, els EUA van ser els que es van convertir en el centre per al desenvolupament de l'art d'avantguarda: els abstraccionistes dels estats totalitaris d'Europa van ser forçats a sortir d'aquí.
El 1938 l'artista va prendre el nom de Rothko Mark. Va crear quadres d'aquell període sota la influència del cubo-futurista Marc Weber (1881-1961) i el surrealista Arshile Gorky (1904-1948). Rothko va trigar molt de temps a trobar el seu camí. Va passar per períodes de passió i pintura figurativa: va pintar retrats i paisatges urbans (“Dona darrerecosint”, 1935, “Al metro”, 1938). Els motius surrealistes de la seva obra es van intensificar per la seva passió per les noves idees filosòfiques: interès per l'inconscient, pel món interior d'un individu, per l'automatisme d'expressar emocions i impressions.
Primer, l'època de la Gran Depressió, després la premonició d'una nova guerra mundial va crear una atmosfera a la societat en què es van perdre les fites tradicionals. L'artista busca suport en temes mitològics ("Antígona", 1941, "Ocells jeràrquics", 1945) i després arriba a la pintura absolutament no objectiva.
Des de principis dels anys 50, finalment es va formar un fenomen artístic com Rothko. Mark, les pintures del qual constaven de dos o tres rectangles paral·lels, va trobar el seu camí. La pintura de camp de color és la definició que els crítics han trobat per al mètode de Rothko.
Una forma senzilla per a idees complexes
Al mateix artista no li agradava explicar les seves pintures i no podia suportar-ho quan ho feien els altres. No va intentar revelar la idea amb paraules, per tant, a les sales del museu on està representat Mark Rothko, hi ha quadres amb títols en forma de número de sèrie i data de creació.
No podia acceptar que li diguessin abstracció perquè considerava que les seves pintures eren reflex de la vida real, organismes vius que buscaven contacte amb l'espectador.
Va tenir una actitud negativa davant l'opinió de si mateix com a artista - "colorista", tot i que sempre va treballar amb cura amb el color, fins i tot amb pigments fregats manualment, aconseguint el color i la consistència desitjats. Considerava més important la relació entre masses i volums.aquells blocs que formaven les seves composicions.
La imatge és com el teatre
En la seva joventut, Rothko volia dedicar-se seriosament a l'art dramàtic i gairebé es va matricular a classes d'actuació. Sovint anomenava les seves composicions drames, i és fàcil imaginar-les com a decoracions escèniques. Això pot explicar un altre aspecte de la influència de les pintures de Rothko en el públic.
Moltes persones constaten una extraordinària implicació en l'espai de la pintura. Per a l'exposició de les seves obres, l'artista va triar una llum artificial tènue, gairebé crepuscular. I la distància des de la qual va recomanar mirar la imatge, Rothko va determinar en 18 polzades (45 cm). Tenint en compte la vibració visual de la vora dels blocs de colors, l'heterogeneïtat del recobriment de pintura (de vegades multicapa), es pot explicar l'ocurrència de moviments profundament a l'espai de la imatge, donant lloc a emocions vives addicionals..
Rothko Chapel
La importància que va tenir per a l'artista l'organització de l'espai del quadre i les maneres de percebre la seva pintura es pot entendre a partir de la història del seu treball en el disseny de la capella de l'església de l'Institut de Religió de Houston. Enormes panells pintats per al cor es troben en una sala dissenyada segons els desitjos de Rothko. Mark, les pintures del qual en aquest cas són gairebé monocromes, va participar en el disseny i la il·luminació de la sala.
L'església, de la qual la capella ha passat a formar part, no pertany a una religió determinada i està dedicada a Déu. Una atmosfera meditativa, deslligada de l'ambient mundà, omple la sala octogonal amb una font de llum situada a la cúpula. Mark Rothko col·locat en aquesta salapintures. La foto mostra com de poderosa és aquesta exposició.
Llarg camí cap al reconeixement
Les circumstàncies personals de l'artista no van ser fàcils. Llargs anys de pobresa, la incredulitat de les persones més properes en el seu talent el va influir molt, per la qual cosa difícilment es pot dir que el treball de Mark Rothko és optimista. Fins i tot les composicions de blocs de colors brillants i càlids evoquen fortes emocions dramàtiques. L'expressió de la tragèdia en la vida de la societat i de cada individu s'anomena el tema principal de l'artista.
La mort com a darrera imatge
A finals dels anys 60, van arribar la fama i els diners, però les mal alties i els problemes familiars es van acumular. El 25 de febrer de 1970, l'artista es va suïcidar obrint les venes. Mark Rothko - pintures, fotos amb ell van omplir tots els diaris i revistes - va signar el seu últim treball…
Es diu que no s'imaginava com es compren els seus quadres només per a la decoració d'interiors. Després de treballar dos anys en una comanda per al restaurant més car de Nova York, Rothko va retornar l'avanç i va rebutjar la feina quan es va imaginar que gent rica menjava i mirava els seus panells.
Les millors col·leccions d'art contemporani del món no es poden imaginar sense les pintures de Mark Rothko. "Taronja, vermell, groc", "Centre blanc": es van pagar increïbles milions de dòlars per aquestes pintures a les subhastes. Aquests números emocionen especialment els habitants, que només veuen taques pintades de manera desigual, que no es molesten a fer un pas cap a noves idees i emocions. I quant és la llibertat, quant és el dolorhumà i artista?
Recomanat:
Art naïf a la pintura: característiques d'estil, artistes, pintures
Deu haver vist les pintures d'aquests artistes. Sembla que un nen els ha dibuixat. De fet, els seus autors són adults, no professionals. En pintura, l'art naïf es va originar cap a la segona meitat del segle XIX. Al principi, no es va prendre seriosament i, de fet, no es considerava art. Però amb el temps, l'actitud cap a aquest estil ha canviat dràsticament
Estil literari i artístic: característiques, trets principals de l'estil, exemples
Molt poca gent recorda el programa escolar de memòria després de molts anys després de graduar-se de l'escola. A les classes de literatura, tots vam escoltar estils de parla, però quants antics escolars poden presumir de recordar què és? Recordem junts l'estil literari i artístic de la parla i on es pot trobar
L'expressionisme a la música és L'expressionisme a la música del segle XX
Al primer quart del segle XX, va aparèixer una nova direcció, contrària a les visions clàssiques sobre la creativitat, en la literatura, les belles arts, el cinema i la música, proclamant com a principal l'expressió del món espiritual subjectiu de l'home. objectiu de l'art. L'expressionisme musical és un dels corrents més controvertits i complexos
Cubofuturisme en pintura: característiques d'estil, artistes, pintures
El cubo-futurisme és una direcció de la pintura, la font de la qual va ser el bytyanisme rus, també s'anomenava futurisme rus. Va ser un moviment artístic d'avantguarda rus a la dècada de 1910 que va sorgir com una branca del futurisme i el cubisme europeus
Pintures a l'estil del minimalisme: característiques d'execució, fotos
Les pintures minimalistes són un exemple d'art contemporani. Són rellevants en qualsevol temporada, independentment del que dicti la moda. Aquest moviment artístic va aparèixer a Nova York, però ràpidament va guanyar el cor dels creadors de tot el món. Quina és la peculiaritat d'aquesta direcció? Què troben en aquestes obres els coneixedors i admiradors d'aquest tipus de creativitat?
