Belcanto és una tècnica de cant virtuós. Formació vocal. cant d'òpera

2025 Autora: Leah Sherlock | [email protected]. Última modificació: 2025-01-24 17:48

Llarges línies de frases musicals, passatges i gràcies melòdics, control de veu sorprenent i bellesa perfeccionada del cant virtuós. Al tombant dels segles XVI-XVII, va sorgir a Itàlia una escola de cant, que va donar al món una tècnica vocal interpretativa, que els italians, cobdiciosos a termes pretensiosos, van donar el nom de bel canto (bel canto) - "cant bell". No exagerem, marcant aquest període com l'inici de l'apogeu de la veu teatral i el punt de partida per al desenvolupament posterior del gènere operístic.

El naixement de l'òpera: Florència

Les primeres òperes que van aparèixer en el període descrit deuen el seu naixement als membres d'un petit cercle d'amants de l'art antic, format a Florència i que van entrar a la història musical amb el nom de "Florence Camerata". Els aficionats a l'antiga tragèdia grega somiaven amb reviure l'antiga glòria d'aquest gènere i opinaven que els actors no parlaven, sinó que cantaven les paraules, utilitzant el recitatiu, una transició melòdica suau de sons, per reproduir el text..

Les primeres obres escrites sobre l'argument de l'antic mite grec d'Orfeu es van convertir en l'impuls per al naixement d'un nou gènere musical- òperes. I les parts vocals solistes (àries) que van servir com a part integral van obligar els cantants a dedicar-se seriosament a l'entrenament de la veu, que va ser el motiu de l'aparició de l'art del cant bonic: el bel canto. Això implicava la capacitat d'interpretar fragments melòdics persistents amb una respiració llarga mentre es mantenia una producció de so suau durant tota la frase musical.

Escola napolitana

A finals del segle XVII es va formar la tradició operística napolitana, que finalment va establir l'art del bel canto a l'escenari teatral. Va ser alhora un desenvolupament de la idea florentina i un canvi en ella. A Nàpols, la música i el cant esdevingueren el component principal de la representació, i no la poesia, que fins aleshores s'havia donat el paper dominant. Aquesta innovació va agradar al públic i va provocar un gran entusiasme.

Els compositors napolitans van transformar l'òpera estructuralment. No van abandonar l'ús dels recitatius, que van dividir en diferents tipus: acompanyats (acompanyats d'una orquestra) i secs, que contenien informació presentada de manera col·loquial a rars acords de clavicèmbal per mantenir la tonalitat musical. La formació vocal, que es va convertir en obligatòria per als intèrprets, va augmentar la popularitat dels números en solitari, la forma dels quals també va patir canvis. Van aparèixer àries típiques en què els personatges expressaven sentiments de manera generalitzada, en relació a la situació, i no basant-se en la imatge o el personatge. Àries lamentables, bufoneses, quotidianes, apassionades i de venjança: l'espai interior de l'òpera napolitana estava ple de contingut animat.

Alessandro Scarlatti (1660-1725)

El destacat compositor i entusiasta Scarlatti va passar a la història com el fundador de l'escola d'òpera de Nàpols. Va crear més de 60 obres. El gènere d'òpera seriosa (òpera seria), creat per Scarlatti, va explicar la vida d'herois famosos amb l'ajuda d'una trama mitològica o històrica. El cant d'òpera va posar en segon pla la línia dramàtica de l'actuació i els recitatius van donar pas a les àries.

L'ampli ventall de parts vocals de l'òpera seriosa va ampliar els requisits que havien de complir les veus operístiques. Els intèrprets van millorar l'art del cant, tot i que de vegades això va provocar curiositats: cadascun d'ells volia que el compositor inclogués a l'òpera àries que emfatitzessin favorablement la dignitat de la veu. El resultat va ser una col·lecció de números en solitari no relacionats, que va fer que l'òpera seria es definís "concert de disfresses".

Bellesa i artesania

Una altra contribució de l'escola d'òpera napolitana al desenvolupament del bel canto va ser l'ús de decoracions ornamentals (coloratura) de la paleta musical a les parts vocals. La coloratura s'utilitzava al final de les àries i ajudava als intèrprets a demostrar al públic el grau de control de la veu. Grans s alts, trins, passatges variats, l'ús de la seqüència (repetició d'una frase musical o gir melòdic en diferents registres o tonalitats) van augmentar així la paleta expressiva utilitzada pels virtuosos del bel canto. Això va fer que sovint s'avalués el grau d'habilitat del cantantsegons la complexitat de la coloratura que realitza.

La cultura musical italiana va fer una gran demanda. Les veus de cantants famosos es distingien per la seva bellesa i riquesa de timbre. L'entrenament vocal va ajudar a millorar la tècnica de rendiment, a aconseguir uniformitat i fluïdesa del so en tots els rangs.

Primers conservatoris

La reivindicació del bel canto va donar lloc a la formació de les primeres institucions educatives que van formar cantants. Els orfenats -conservatoris- es van convertir en les primeres escoles de música de la Itàlia medieval. En ells s'ensenyava la tècnica del bel canto a base d'imitació, repetició després del professor. Això explica l' alt nivell de formació dels cantants d'aquella època. Després de tot, van estudiar amb mestres reconeguts com Claudio Monteverdi (1567-1643) o Francesco Cavalli (1602-1676).

Als alumnes se'ls van compondre exercicis especials per al desenvolupament de la veu, solfeig, que s'havien de repetir, millorant la tècnica del cant i desenvolupant la respiració, habilitats tan necessàries per al bel canto. Això va fer que, després d'haver començat a formar-se als 7-8 anys, als 17 anys, de les parets del conservatori van sorgir intèrprets professionals de l'escenari d'òpera.

Gioachino Rossini (1792-1868)

Amb la seva aparició, el bel canto italià va predeterminar la tendència de desenvolupament de la cultura musical de l'òpera durant els tres segles següents. Una fita en el seu desenvolupament va ser l'obra del compositor italià G. Rossini. L'energia rítmica, la brillantor i la mobilitat de les parts vocals exigien als intèrprets una rica varietat tímbrica, virtuosisme iuna escola de cant excepcional. Fins i tot les àries de cants i els recitatius de les composicions de Rossini exigien una dedicació total.

El melodisme de Rossini va obrir el camí al bel canto clàssic, distingit per la completesa de les frases, suau i airejada, neta, melodia fluïda lliurement (cantilena) i ardor sensualment sublim. Cal destacar que el mateix compositor coneixia de primera mà l'art de cantar. De petit va cantar al cor de l'església i, a l'edat adulta, a més de compondre, es va dedicar amb entusiasme a la pedagogia vocal i fins i tot va escriure diversos llibres sobre aquest tema.

Pedagogia

El cant d'òpera italià, que es va convertir en un símbol de la cultura musical europea dels segles XVII-XIX, va aparèixer gràcies al treball de professors innovadors dotats que van estudiar la veu i van experimentar amb la veu humana, perfeccionant-ne el so. Les tècniques descrites als seus escrits encara s'utilitzen en la preparació de cantants.

Ni un sol detall va escapar a l'atenció dels professors. Els alumnes van comprendre els secrets de la respiració de cant lliure i fàcil. L'entrenament vocal suposava un volum sonor moderat, frases melòdiques curtes i intervals estrets, que permetien utilitzar la respiració de la parla, caracteritzada per una respiració ràpida i profunda seguida d'una exhalació lenta. Es van desenvolupar complexos d'exercicis per entrenar una producció de so homogènia en registres aguts i baixos. Fins i tot l'entrenament davant d'un mirall formava part del curs de formació per a intèrprets novells: les expressions facials excessives i una expressió facial tensa van trair un treball convuls.dispositiu de veu. Es va recomanar mantenir-se solt, estar dret i amb l'ajuda d'un somriure per aconseguir un so clar i proper.

Noves tècniques de cant

Parts vocals complexes, dramatúrgia i representacions teatrals van suposar tasques difícils per als cantants. La música reflectia el món interior dels personatges i la veu es va convertir en una part integral de la imatge general de l'escenari. Això es va manifestar clarament en les òperes de G. Rossini i G. Verdi, l'obra de les quals va marcar l'auge de l'estil bel canto. L'escola clàssica considerava acceptable utilitzar falset en notes agudes. Tanmateix, la dramatúrgia va rebutjar aquest plantejament: en l'escena heroica, el falset masculí va entrar en dissonància estètica amb el color emocional de l'acció. El primer a superar aquest llindar de la veu va ser el francès Louis Dupre, que va començar a utilitzar la manera de produir el so, que estableix mecanismes fisiològics (estrenyiment de la laringe) i fonètics (llenguatge en posició en “Y”) per protegir la veu. aparell i més tard anomenat “cobert”. Va permetre formar la secció superior del rang de so sense canviar a falset.

Giuseppe Verdi (1813-1901)

Revisant l'art vocal operístic, és impensable ignorar la figura i l'herència creativa del gran compositor italià G. Verdi. Va transformar i reformar l'òpera, va introduir contrastos argumentals i oposicions. Va ser el primer dels compositors que va participar activament en l'elaboració de l'argument, l'escenografia i la producció. En les seves òperes dominaven la tesi i l'antítesi, els sentiments i els contrastos esclataven, unitsmundana i heroica. Aquest enfocament va dictar nous requisits per als vocalistes.

El compositor va criticar la coloratura i va dir que els trils, les notes de gràcia i els gruppettos no són capaços d'esdevenir la base d'una melodia. Gairebé no hi ha decoracions ornamentals a les composicions, que romanen només en parts de soprano, i després desapareixen completament de les partitures d'òpera. Les parts masculines dels clímaxs es van traslladar al registre superior utilitzant el "so cobert" ja descrit anteriorment. Els intèrprets de les parts de baríton es van veure obligats a reconstruir el treball de l'aparell vocal a partir d'una tessitura elevada (disposició de sons a gran alçada en relació amb el rang del cant), dictada pel reflex de l'estat emocional dels personatges. Això va provocar l'aparició d'un nou terme: "baríton de Verdi". L'obra de G. Verdi, 26 belles òperes posades en escena a la Scala, va marcar el segon naixement del bel canto: l'art de dominar la veu portat a la perfecció.

Gira mundial

L'estil vocal lleuger i elegant no es pot mantenir dins dels límits d'un estat. La major part d'Europa va caure gradualment sota el seu encanteri. El bell cant va conquerir l'escenari teatral mundial i va influir en el desenvolupament de la cultura musical europea. Es va formar una direcció d'òpera, que va rebre el nom de "belkanta". L'estil va superar els límits de la seva aplicació i va entrar a la música instrumental.

La virtuosa melodia de F. Chopin (1810-1849) va sintetitzar la poètica popular polonesa i el bel canto operístic italià. Les heroïnes somiadores i gentils de les òperes de J. Masnet (1842-1912) estan plenes d'encant belcanth. La influència de l'estil va resultar ser tan gran que la seva influència en la música es va fer realment grandiosa, des del classicisme fins al romanticisme.

Connexió de cultures

El gran compositor M. I. Glinka (1804-1857) es va convertir en el fundador dels clàssics russos. La seva escriptura orquestral -sublimament lírica i alhora monumental- està plena de melodia, en la qual són visibles tant les tradicions de la cançó popular com la sofisticació belkante de les àries italianes. La cantilena pròpia d'ells va resultar ser semblant a la melodiositat de les cançons russes llargues, veraces i expressives. El predomini de la melodia sobre el text, els càntics intrasíl·labs (accentuació del cant de síl·labes individuals), les repeticions de la parla que creen la durada de la melodia, tot això a les obres de M. I. Glinka (i d' altres compositors russos) es va combinar increïblement harmònicament amb les tradicions de l'òpera italiana. Les cançons populars persistents, segons els crítics, mereixien el títol de "bel canto rus".

Al repertori d'estrelles

La brillant era del bel canto italià va acabar als anys 20. Els trastorns militars i revolucionaris del primer quart de segle van ratllar l'essència normativa del pensament operístic romàntic, va ser substituït pel neoclassicisme i l'impressionisme, el modernisme, el futurisme i altres dividits en direccions. I, tanmateix, les famoses veus operístiques no van deixar de recórrer a les obres mestres de la veu clàssica italiana. L'art del "cant bell" va ser dominat de manera brillant per A. V. Nezhdanov i F. I. Chaliapin. El mestre insuperable d'aquesta direcció de cant va ser L. V. Sobinov, que va ser anomenat l'ambaixador del bel canto a Rússia. Els grans Maria Callas (EUA) i Joan Sutherland (Austràlia), homenatjats pels seus companys amb el títol de "Voice of the Century", el tenor líric Luciano Pavarotti (Itàlia) i el baix insuperable Nikolai Gyaurov (Bulgària) - el seu art es basava en la base artística i estètica del bel canto italià.

Conclusió

Les noves tendències de la cultura musical no han aconseguit eclipsar la brillantor de la clàssica òpera belcante italiana. A poc a poc, els joves intèrprets busquen la informació conservada en les notes dels mestres d'anys anteriors sobre la respiració adequada, la producció de so, l'escultura de veu i altres subtileses. Això no és un interès ocioso. El públic sofisticat ha despertat la necessitat de no escoltar una interpretació moderna d'obres clàssiques, sinó de submergir-se en l'espai temporal fiable de l'art cantant impecable. Potser es tracta d'un intent de desvelar el misteri del fenomen del bel canto: com, en l'era de la prohibició de les veus femenines i les preferències per un registre masculí alt, podria néixer una direcció de cant que va sobreviure segles i es va convertir en un sistema harmònic que va establir les bases per a la formació de vocalistes professionals durant diversos segles.